SUBMERSION, 2020-2021. Edward Povey. Oil and Conté crayon on Belgian linen, 76.3 X 76.3 cm / 30 X 30 ins. In a private collection in Santa Fe, USA.
Por la manera en que Edward se ha ofrecido a contestar mis preguntas estoy seguro de que es un alma bella de la que puedo aprender mucho sobre la complejidad de la experiencia humana. Por ello mis preguntas tendrán otro enfoque, más allá de lo puramente artístico: 1.- ¿Cómo has conseguido transformar el dolor en tal increíble belleza?
Claramente hay distintos tipos de dolor visibles en mi pintura, pero mostrar dolor nunca fue mi intención principal. La belleza emerge de la pura humanidad que encuentro en mis modelos, quizá, y también de la honestidad de sus estados.
2.- Dices que no ves tu arte como narrativo en absoluto, ¿esto es porque tus cuadros representan un único instante, irrepetible e intemporal?
Estos cuadros realmente comenzaron con un deseo de evitar pintura narrativa, historias cuyo hogar es la literatura. Comencé a explorar figuras “liminales (o transitorias)” en mis cuadros en 2013 en un intento de capturar el umbral entre sucesos más que los sucesos en si mismos. Por tanto ninguno de mis cuadros retrata un recuerdo específico, suceso, historia, o incluso metáfora específica. Equilibran entre detalles, y por ello deseo mostrar un ser humano con la posibilidad de todas las emociones al mismo tiempo: anhelo, pérdida, estasis, contención, dolor, sospecha. El "lavado" de emoción complicada que surge a través de todos los seres humanos. En un momento dado di muchas conferencias en los Estados Unidos e Inglaterra a audiencias de coleccionistas de arte, hablando sobre la psicología de mi trabajo. Durante esas conferencias distintas personas y parejas venían a decirme sus interpretaciones de los cuadros que tenía a mi lado. Algunas personas encontraban felicidad en el cuadro, otras tristeza, otras angustia, variando mucho de unos a otros, dejándome con la idea de que la gente se ve a si misma en los cuadros, y solo de forma perimetral ven las pinturas en si mismas.
3.- ¿De qué manera estas presente en tus creaciones?
En cierto sentido, nunca busco hacer un autorretrato, ni ningún reflejo particular de mí mismo, pero de hecho todos los aspectos de mis pinturas vienen a través mío, por lo que todos mis cuadros pueden considerarse como autoretratos.
4.- Para mí tus cuadros traspasan sentimientos íntimos hasta el punto de hacer revivir emociones de experiencias propias. ¿Eres consciente de lo que tus pinturas provocan en tu público?
Por las reacciones que escucho, creo que mis pinturas actuales tienen un tipo de impacto diferente en mis espectadores que mi trabajo anterior. Algunos están un poco sorprendidos por mis pinturas, pero empiezo a pensar que requieren tiempo y familiaridad antes de que volverse comprensibles.
Escucho un montón de emociones extremas sobre mi trabajo, pero es difícil para mi saber si es un consenso, y es difícil saber cómo se desarrollará a largo plazo.
5.- Me encanta cuando describes el proceso de construcción de tus cuadros, tu entusiasmo me hace pensar que para ti es tan importante el proceso como el resultado, ¿es así? En cierto sentido, mi única experiencia con estas pinturas es, de hecho, el proceso de realización. Eso realmente me fascina y obsesiona, y es un reto continuo.
En todo momento estoy ajustando mi proceso, por ejemplo, en este momento estoy cambiando ligeramente mi enfoque hacia las áreas más oscuras y claras de las pinturas. Están hechos con una gama tonal sorprendentemente estrecha, de hecho los "negros" son de color marrón oscuro y los "blancos" son de color gris menta. De la misma manera que las áreas “negras” consumen información de manera muy similar a una fotografía con baja exposición, voy a intentar lo mismo con las áreas “blancas”: dar la impresión de que se están blanqueando por la sobre exposición.
Esto pondrá toda la atención y el realismo en los tonos medios de las pinturas, haciendo una construcción general más fuerte, espero.
Mi pintura de la carne es muy compleja y requiere una capa de fondo “Verdaccio” tomada de Raphael (1400), sobre la que puse muchas otras capas de pintura sólida y translúcida. El año pasado estuve trabajando texturas y detalles superficiales en la capa base, pero actualmente estoy experimentando con una base Raphael más sólida y menos detallada, que luego se superpondrá con detalles e información, de modo que en el corazón de las extremidades y rostros de mis figuras, haya una construcción arquitectónicamente más fuerte.
También estoy comenzando a limitar en general la cantidad de detalles finos en mis pinturas, de modo que se produzcan solo en parches, dando relieve a las pinturas, como las "inhalaciones y exhalaciones" de áreas detalladas, separadas por hermosos prados de pintura curvada.
NIGHTBIRDS, 2020-2021. Edward Povey. Oil, graphite and Conté crayon on Belgian linen, 40.3 X 40.3 cm / 15.87 X 15.87 ins. In a private collection in Wales.
6.- Acompañas tus cuadros con profundas reflexiones que las engrandecen aún más si cabe, me gustaría que me hablaras de una de las que más me ha impactado:
“El juicio sostiene el bisturí, el conocimiento es el primo civilizado del entendimiento y la presencia modesta es su atento abuelo.” A menudo coloco prosa poética o comentarios al lado de mis pinturas, no como narraciones, que tenderían a convertir las pinturas en ilustraciones, sino como un hermano literario de las pinturas mismas. La escritura no está compuesta para explorar o explicar la pintura, sino simplemente para bailar con ella en el mundo de la metáfora y proporcionar un "contexto" atmosférico.
Esta cita mía es una idea superficialmente compleja, pero con una base sólida. Mi significado es este:
El acto de pintar se compone de una multitud de juicios que separan las buenas decisiones de las malas (de ahí el bisturí), y toda la construcción de una pintura es el resultado de esos juicios.
Los juicios están enteramente basados en el conocimiento, por ejemplo, un artista puede sentir intuitivamente que una pintura está “sobrecargada”, pero puede que no sepa cómo resolverlo. Si tuviera el conocimiento de que "cuanto más gama tonal tiene una pintura, menos color debe tener, y viceversa", sabría "descargar" la pintura. El conocimiento dirige por completo todos los juicios.
Pero el conocimiento viene en forma de leyes, fórmulas y hechos, mientras que su muy civilizado primo, el “entendimiento”, aporta una gran experiencia en la aplicación de esas leyes, fórmulas y hechos. El conocimiento es solo una herramienta, mientras que la comprensión es el hábil artesano.
La “Presencia” es más precisamente, el fenómeno del artista estando realmente presente y atento a todos los aspectos de la obra de arte. Es el supervisor de todo juicio, conocimiento y comprensión, porque esa intensa sensación de estar "allí'', listo, completamente comprometido y emocionalmente disponible, aporta esas otras cualidades a cada pincelada, cada aspecto del diseño, cada capa de pintura...y lo hace con enorme cuidado, atención, autenticidad, honestidad con uno mismo y nunca preocupado por el tiempo requerido.
Esto suena evidente, pero en mi opinión, muchas obras de arte adolecen de una falta de "presencia del artista", y esto puede ser simplemente que están distraídos por la falta de conocimiento, confianza o, en el peor de los casos, cuidado.
Finalmente, la modestia es la cualidad más importante que inspira “presencia”. Esto se debe a que la pomposidad y la importancia personal corrompen la presencia del artista haciendo que el objetivo sea el autoengrandecimiento, más que ser efectivamente "invisible" y humilde, permitiendo así que los requisitos de la pintura sean los dueños de la situación, más que una oportunidad para lucir inteligente o impresionante.
La pomposidad y la importancia personal solo funcionan en relación con una audiencia, y el arte nunca debería hacerse con la consciencia de una audiencia, ya sea en el presente o incluso en el futuro de la pintura. Sólo la "modestia y la humildad aisladas" permiten que la sensación de estar presente genere una "atención crítica". Para ser exactos, no hay nada en la mente del artista más que su obra, ni su propia importancia, ni el efecto de la obra de arte en cualquier audiencia. En ese estado, los juicios críticos se hacen utilizando conocimientos sólidos reforzados por el entendimiento nacido de la experiencia.
Desde niña adoro los dioramas. Pensarás que estoy loca, pero a veces los veo al pasear por algunas ciudades, como Lisboa, en la que al colar la mirada por una calle estrecha aparecen, cuesta arriba, un sinfín de colores en caótica armonía. Tu utilizas esta palabra para definir tus pinturas. ¿Crees en las sincronías? Yo sí, estoy segura de que este encuentro me ha hecho crecer. Mil gracias.
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